Fraîchement diplômé du baccalauréat en médias interactifs de l’UQAM, Alexandre Stock est coordonnateur technique chez Molior.

Comptant deux années d’expérience dans le monde des arts numériques, il a collaboré au projet Noctambule, lauréat des prix Numix 2022 et Idéa 2022.Il est également chargé de projets d'art numérique au sein du collectif Octov, qui œuvre dans la production de spectacles de musique électronique à Montréal. Enfin, il est le cofondateur du Studio Patente, fondé en 2022, où il travaille en parallèle sur des projets de scénographie technologique pour divers clients.

Aseman Sabet est commissaire indépendante, historienne de l’art et chargée de cours à l’École des arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal. Ses recherches abordent le tournant sensoriel en esthétique et dans les théories de l'art, avec une attention marquée pour le toucher, la mémoire des sens et la synesthésie. Elle collabore régulièrement avec des publications spécialisées en art contemporain et siège sur le comité de rédaction de la revue ESPACE art actuel, où elle travaille également à titre de rédactrice adjointe. Elle a notamment publié ses essais dans les catalogues d’exposition Patrick Coutu : Le Jardin du sculpteur (Musée national des beaux-arts du Québec, 2016), #callresponse (Grunt Gallery, 2018) et Entends-tu ce que je vois (Dazibao, 2019). Ses recherches ont également été présentées dans le cadre de conférences aux Canada (Brock University, ACFAS/UQAR, UQAM, Université Laval/MNBAQ) et en France (CNRS/Paris). Parmi ses plus récents projets d’exposition, on peut compter Par la forêt (2018), première d’une série de trois invitations cartes blanche du MAC LAU se déployant autour des représentations croisées de la nature et de l’histoire, et Les nouveaux états d’être (2019), présenté au CEUM en collaboration avec le Petrie-Flom Center for Health Law Policy, Biotechnology and Bioethics de Harvard.

Aurélie Besson est directrice générale et artistique de Molior depuis 2016. Elle y a développé des projets collaboratifs en Chine, au Brésil, en France, en Slovaquie, en République tchèque, en Hongrie, en Suisse et au Canada. Depuis plus de 15 ans, elle dirige des projets interdisciplinaires en art, sciences et technologies, tour à tour en tant que chercheure, commissaire, directrice artistique ou gestionnaire. Elle finalise actuellement une thèse de doctorat en études et pratiques des arts à l'Université du Québec à Montréal, codirigée par Louise Poissant et Victor Frak. Sa recherche s’est développée selon une approche transdisciplinaire en explorant les concepts d’énaction et les sens du mouvement dans l’expérience d’œuvres interactives. Elle a organisé une dizaine de conférences et a été impliquée dans plusieurs groupes de recherche avec des universités montréalaises. Elle a également coordonné la production de l’ouvrage Lumières de la ville (PUQ), dirigé par Louise Poissant, et a publié plusieurs articles sur les arts numériques dans des livres, des blogues et des magazines. Aurélie est régulièrement invitée à des conférences et siège à de nombreux comités et jurys qui reconnaissent son expertise. Entre 2007 et 2010, elle a dirigé des projets et événements européens collaboratifs en art et technologies à Prague. Elle est titulaire d'une Maîtrise en communication (Université Lyon 2 ; Universiteit Utrecht) et d'un Master en développement culturel et direction de projet (Université Lyon 2).

Danny Perreault bénéficie de plus de 15 ans d’expérience dans le milieu des arts numériques en tant qu’artiste, enseignant et directeur de production / technique. Il a notamment collaboré à la mise en place de la Convention Pure-Data en 2006, a travaillé sur plusieurs éditions du festival Elektra à Montréal, et a exporté et monté des œuvres d’artistes canadiens avec le groupe Molior, le centre Perte de Signal et le CQAM à New York, à Pékin, à Sao Paulo, lors de la Foire des arts numériques de Paris, de Kinetica à Londres ainsi qu’au Kunstwerk de Leipzig.   

Il a également créé des œuvres audiovisuelles, des installations vidéo volumétriques, et a participé à des laboratoires de cocréation, présentés lors de festivals en France, en Suisse, en Hollande, au Sénégal et en Tunisie.

Il est titulaire d’une maîtrise en communication (concentration recherche-création en média expérimental) de l’Université du Québec à Montréal. Son mémoire, déposé en 2013, porte sur le vidéo mapping. Il s’intéresse aux impacts tant esthétiques que sociaux des arts numériques. Il encadre actuellement des étudiants dans l’élaboration de projets de scénographies urbaines interactives. 

Léa Tricoire est gestionnaire de projets culturels. Elle travaille dans le milieu artistique depuis 2012, année où elle commence un master en gestion de projets culturels en France. Elle fait d'abord ses armes en production artistique au Festival international d'arts numériques VIDÉOFORMES (2012 et 2013), puis se rend à Prague, République tchèque, quelques mois pour coordonner un programme de résidences d'artistes visuels et de commissaires d’expositions au centre d'art pluridisciplinaire MeetFactory. De retour en France, elle continue à se spécialiser dans les arts visuels et travaille à la galerie Mélanie Rio, puis à la galerie RDV, un espace d'exposition tourné à la fois vers l’expérimentation artistique et l’ouverture des pratiques aux publics.

En 2017, sa soif de découvertes l'emmène dans l'Ouest canadien, à Vancouver. Rapidement, elle y trouve sa place et s’investit au sein de la communauté artistique francophone en travaillant à la coordination des projets du Conseil culturel et artistique francophone de la Colombie-Britannique, et en s'impliquant bénévolement dans la création du Collectif des artistes visuels francophones de la Colombie-Britannique. À l’automne 2020, Léa s’installe à Montréal pour s'engager dans la production de nouveaux projets d’expositions.

Marta Gaspar Carpinteiro est recherchiste et gestionnaire de projets culturels. Formée en histoire et en cinéma à l’Université McGill, elle part pour la Suède en vue de compléter une maîtrise à l’Université d’Uppsala. Elle intègre le milieu culturel montréalais en 2016, d’abord comme recherchiste en cinéma documentaire et coordonnatrice de production, travaillant sur divers projets de longs-métrages et de séries aux Productions de la Ruelle. Par la suite, elle élargit ses compétences en travaillant comme gestionnaire de projets pour le studio de création sonore Dremeka et le Growlers Choir. Depuis 2020, elle collabore avec la compagnie de théâtre The Other Theatre, la poète et auteure-compositrice-interprète Valérie Curro Khayat et le compositeur et saxophoniste Damián Birbrier. Elle poursuit son travail comme consultante historique et recherchiste en cinéma documentaire, collaborant entre autres avec les Productions Nova Média. Elle se joint maintenant à l’équipe de Molior en tant que coordonnatrice.

Rachel A. Giguère est avocate et conseillère en affaires dans le milieu du divertissement et des technologies, présentement en post-production et en effets visuels. Auparavant, elle a exercé au sein d’un cabinet national dans les domaines du litige, du financement et du droit commercial. Rachel possède une vaste expérience en matière de projets internationaux novateurs et complexes. Sa curiosité insatiable et sa polyvalence l’ont amenée à travailler et à étudier dans plusieurs pays, en trois langues. Elle est diplômée en administration des affaires et en droit.

David Beaulieu détient un baccalauréat en génie électrique de l’École de technologie supérieure de Montréal (ÉTS). Il a collaboré avec plusieurs artistes en arts visuels et médiatiques à la conception et à la réalisation technique de leurs projets. Il a occupé le poste de directeur technique de Molior, de 2008 à 2011 et a assuré la supervision des projets sur le plan technique pour les expositions présentées au Canada et à l’étranger. Il a été assistant à la conception des accessoires puis comme chargé de projet en recherche et développement pour le Cirque du Soleil. Présentement, il est enseignant en génie électrique au Cégep du Vieux-Montréal et chargé de cours en informatique à l’ÉTS. De plus, il continue d’apporter son expertise pour certains projets au Cirque du Soleil et aux artistes en arts visuels. Il est présentement ingénieur électronique au département de l'ingénierie des médias à Radio-Canada.

Marie-Pier Gauthier est productrice par intérim au studio interactif de l'Office national du film du Canada. Ces quatre dernières années, elle occupait le poste de responsable de la production du studio. Elle contribue à tous les projets issus de ce véritable laboratoire narratif, qu'il s'agisse de webdocumentaires, d'installations interactives dans l’espace public, d'essais interactifs ou de jeux mis au service du « storytelling ». Diplômée de L'institut national de l'image et du son en production interactive ainsi qu'en journalisme, elle s’intéresse à la réalisation de projets d’auteurs novateurs à la croisée des disciplines depuis plus de 10 ans.

 Melissa Mongiat est co-fondatrice avec Mouna Andraos de Daily tous les jours qui dirige des projets à l’intersection de la participation, du design et de la technologie. Le studio provient des domaines du design d’interaction et des environnements narratifs. Melissa est designer et stratège. Tout en adhérant aux possibilités qu’offrent les nouveaux médias, son approche met l’accent sur ​​la participation et la scénarisation.

Daily tous les jours est à la recherche de nouvelles façons d’interagir et de raconter des histoires en donnant un rôle significatif au public. Les projets sont multi-disciplinaires : ils se déploient parfois à l’échelle d’une ville et parfois se glissent dans le creux d’une main. Ces expériences apportent une magie aux lieux, comportements et objets du quotidien.

Le studio s’est mérité plusieurs mentions et prix, parmi lesquels figurent le Core77 Design Festival, Best in Show et Best in Engaging au Interaction Awards de 2013 et le Grand Prix au Shenzhen Design Awards for Young Talent de 2014. De plus, les fondatrices ont remporté la bourse Design Montréal Phyllis Lambert en 2010.

Daily tous les jours s’implique activement dans les communautés du design et des nouveaux médias en donnant des conférences et des ateliers dans le cadre de divers événements et institutions, tels que Eyeo, INST-INT, SXSW, Walker Art Center de Minneapolis, Victoria & Albert Museum de Londres, Leaders in Software and Arts (LISA) de New York, Banff New Media Institute, ainsi que les biennales de Saint-Étienne et de San José.

Avant de fonder Daily tous les jours, Melissa Mongiat était basée à Londres où elle a travaillé sur une série d’installations interactives publiques de grande envergure sous le label Milk & Tales qui ont gagné la reconnaissance internationale, incluant une sélection par le magazine Wallpaper* l’identifiant comme l’une des dix designers les plus prometteuses au monde.

Melissa est titulaire d’une maîtrise avec distinction en Creative Practice for Narrative Environments du Central Saint Martins College of Art and Design à Londres et d’un baccalauréat en design graphique de l’Université du Québec à Montréal (UQÀM). Avec ses collègues diplômés, elle a co-fondé un unité de recherche en environnements interactifs au Central Saint Martins Innovation Centre qui a collaboré notamment avec Arup Foresight, Philips et China Heritage.

Melissa enseigne depuis 2010 à l’École de Design de l’UQAM.

 Né à Paris, Michel Maillochon a grandi à Orléans, étudié à Tours et pris l’avion pour Montréal, un beau matin de juillet 1980. Trente ans (et plusieurs allers-retours) plus tard, il y est toujours. Il a d’abord travaillé en librairie, dont une quinzaine d’années chez Olivieri, librairie qu’il a contribué à mettre sur pied. Puis, il a décidé de changer d’air et de mettre son sens pratique, son amour du travail minutieux et sa courtoisie exemplaire au service de Lemieux-Pilon 4D Art, où il agit à titre de directeur administratif et directeur de tournée depuis maintenant plus de dix ans.

L'artiste multidisciplinaire Pavitra Wickramasinghe s'intéresse aux conventions du regard et aux nouvelles façons de concevoir l'image en mouvement. Son travail a été présenté à maintes reprises sur les scènes locale et internationale : Chroniques, Biennale des imaginaires numériques (France), OBORO (Montréal), Kunst Kraft Werk (Allemagne), SIGHTINGS (Galerie Leonard & Bina Ellen, Montréal), Yeosu International Art Festival (Corée du Sud), Centre des arts Enghien-les-Bains (France), Cable Factory (Finlande), Centro Cultural del Matadero (Espagne) et Access Gallery (Vancouver), entre autres. Elle a aussi obtenu plusieurs prix et bourses et participé à de nombreuses résidences : Art Omi (NY), La Chambre Blanche (Québec), Pépinières Européennes pour Jeunes Artistes (Espagne), Programme de bourses pour artistes UNESCO-Aschberg, Changdong Art Studio (National Museum of Modern and Contemporary Art, Corée du Sud), Conseil des arts du Canada et bourse Claudine et Stephen Bronfman en art contemporain. Le projet de Pavitra Île flottante / All is Water fait actuellement l'objet d'une exposition permanente au Musée des beaux-arts de Montréal.

Aseman Sabet est commissaire indépendante, historienne de l’art et chargée de cours à l’École des arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal. Ses recherches abordent le tournant sensoriel en esthétique et dans les théories de l'art, avec une attention marquée pour le toucher, la mémoire des sens et la synesthésie. Elle contribue régulièrement à des publications spécialisées en art contemporain et siège sur le comité de rédaction de la revue ESPACE art actuel, où elle travaille également à titre de rédactrice adjointe. Elle a notamment publié ses essais dans les catalogues d’exposition Patrick Coutu : Le Jardin du sculpteur (Musée national des beaux-arts du Québec, 2016), #callresponse (Grunt Gallery, 2018) et Entends-tu ce que je vois (Dazibao, 2019). Ses recherches ont également été présentées dans le cadre de conférences aux Canada (Brock University, ACFAS/UQAR, UQAM, Université Laval/MNBAQ) et en France (CNRS/Paris). Parmi ses plus récents projets d’exposition, on peut compter Par la forêt (2018), première d’une série de trois invitations cartes blanche du MAC LAU se déployant autour des représentations croisées de la nature et de l’histoire, et Les nouveaux états d’être (2019), présenté au CEUM en collaboration avec le Petrie-Flom Center for Health Law Policy, Biotechnology and Bioethics de Harvard.

Critique d'art et commissaire d'exposition, Dominique Moulon a étudié les arts visuels à l'Ecole Nationale Supérieure d'Art (ENSA) de Bourges et est titulaire du Diplôme d'Etudes Approfondies en esthétique, sciences et technologies des arts de l'Université Paris 8. Il est membre de l'Observatoire des Mondes Numériques en Sciences Humaines (OMNSH), de l'Association International des Critiques d'Art (AICA) et du Prix Opline pour l'art contemporain en ligne. Fondateur du site MediaArtDesign.net et initiateur du MoocDigitalMedia.paris, il écrit des articles pour Art Press, Digital MCD, The Seen, Neural et est aussi le Directeur Artistique de la media art fair Variation (Show Off). Dominique Moulon enseigne les digital médias à l'Ecole Professionnelle Supérieure d’Arts Graphiques (EPSAA) de la Ville de Paris, à l'Ecole de Communication Visuelle (ECV) et la Parsons (The New School for Design). Il a aussi été invité à plusieurs reprises par la School of the Art Institute (SAIC) de Chicago, l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA), au Fresnoy (Studio national des arts contemporains) et au sein de l'Universités Paris 8. Son ouvrage Art Contemporain Nouveaux Médias a été publié en français aux nouvelles éditions Scala en 2011 et en anglais sous la forme d’un livre électronique en 2013. Actuellement en résidence de commissaire d'exposition à la Maison Populaire de Montreuil, il poursuit des recherches au sein du laboratoire Art & Flux (CNRS) de l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne tout en préparant un prochain livre s’articulant autour des relations entre art, numérique et société. En tant qu'expert des cultures numériques, il est aussi sollicité par des entreprises comme SFR, Accenture, Drouot, Renault, l’Oréal, Google, Axa ou Landor.

Matthew Biederman travaille depuis 1990 à travers les médias et les milieux, les architectures et les systèmes, les communautés et les continents. Il crée des installations, des œuvres sur écran et des performances qui utilisent la lumière, l’espace et le son afin de refléter les complexités de la perception modifiées par le biais des technologies numériques. Depuis 2008, il est le co-auteur de Artic Perspective Initiative, dédié à éclaircir les formes de savoirs, allant du savoir traditionnel, de la culture et des nouvelles technologies jusqu’à la région circumpolaire nordique. Son travail a été présenté à plusieurs événements dont : Biennale de Lyon, Biennale de design d’Istanbul, Musée de la photographie de Tokyo, ELEKTRA, Biennale de Montréal, Ars Electronica et CMT.

Nathalie Bachand est auteure et commissaire indépendante.

Activement impliquée dans le milieu culturel, Nathalie Bachand écrit régulièrement sur les arts visuels et médiatiques.

Elle s’intéresse aux problématiques du numérique et à ses conditions d’émergence dans l’art contemporain.

Auparavant responsable du développement pour ELEKTRA-BIAN (2006-2016), elle y a notamment initié, conçu et dirigé le projet de publication Angles arts numériques (2009).

En 2016, elle cocommissariait avec Chloé Grondeau l’exposition ADC/DAC de l’artiste new-yorkais Phillip David Stearns, présentée à Diagonale dans le cadre de la 3e édition de la BIAN. Plus récemment, elle a été commissaire de l’exposition de groupe The Dead Web – La fin, présentée à Eastern Bloc, et du projet de 32 expositions UN MILLION D’HORIZONS du réseau Accès culture pour le 375e de Montréal, à l’été 2017.

Elle est actuellement cocommissaire pour le festival Espace [IM] Média 2019 du Centre en art actuel Sporobole, et contributrice au blog « Une salve d’avenir » qui s’intéresse aux relations art-science.

Designer de mode et professeure, Ying Gao s'est distinguée par la réalisation de nombreux projets de création présentés lors de cinq expositions individuelles en Suisse et au Canada (Musée national des beaux-arts du Québec, Textile Museum of Canada…) et dans le cadre d’une cinquantaine d’expositions collectives à travers le monde ( MAK Vienna, Museum Boijmans van Beuningen Rotterdam, Design Museum Holon…). Son travail de création multiple a été relayé par une couverture médiatique internationale, au travers de plus de 350 articles de presse dans les médias (Time, METAL, Vogue, Dazed, Interni, Radio Canada, TV5… ). Ying Gao compte parmi les «Fab 40: Canada» sélectionnés par le magazine Wallpaper.

Ying Gao remet en question la notion de vêtement tel qu’on le connaît en alliant le design urbain, l’architecture et le média interactif. Elle explore la construction d’une pièce de vêtement en puisant son inspiration dans les transformations de l’environnement urbain et social. Ses créations sont reconnues dans le monde entier et régulièrement exposées dans des musées et des galeries. Ying Gao considère le design comme le média, mais dans une acception plus technologique que textile du terme : une technologie sensorielle qui donne au vêtement une valeur ludique et participative. Elle interroge à la fois le statut de l’individu dont les contours physiques sont transformés par les interférences extérieures, et la fonction du vêtement comme espace fragile de protection. Ainsi, témoin de l’univers en profonde mutation dans lequel nous vivons, son travail est porteur d’une dimension critique radicale qui dépasse l’expérimentation technologique.

http://yinggao.ca/