Mirage Festival

Sabrina Ratté a réalisé ses vidéos pour Machine For Living lors de sa résidence au Château Éphémère à Carrières-sous-Poissy. Elle a créé des architectures en s’inspirant des grands ensembles des banlieues parisiennes et des villes nouvelles telles que Noisy-le-Grand, Créteil, la Grande Borne, la Défense et Cergy-Pontoise. Les vidéos s’animent à travers des textures, des couleurs et des formes dont l’esthétique rappelle les technologies d’autres époques, telles que les synthétiseurs vidéo, mixeurs et feedbacks visuels. « L’esthétique des villes nouvelles est transformée, manipulée et déconstruite pour renaître en environnements à la fois abstraits et reconnaissables, surréels mais évocateurs d’une certaine réalité connue. (1)» Les projections divisent et agencent l’espace d’exposition, forment des murs et un trajet au sein duquel le spectateur peut déambuler.

La dimension sonore créée par Roger Tellier Craig est composée de cinq trames, chacune dédiée à une vidéo et localisée. Elles forment un ensemble sonore dont l’écoute varie selon la position du spectateur.

Des miroirs fixés au bord de chaque écran répliquent les images, les prolongent. Le dédoublement par les miroirs et certaines itérations formelles dans les cinq vidéos produisent un effet de répétition similaire à celui des ensembles de logements collectifs et brouillent les limites de l’espace expérimenté.

La multiplicité des dimensions des espaces se retrouve au sein de l’image, par l’intermédiaire des architectures de référence et des éléments et textures reconnaissables qui semblent digitaux ou issus d’un enregistrement du réel. L’installation accentue cet effet dans les correspondances entre les multiples vidéos, et du fait des délimitations incertaines de l’espace actuel. 

Orchestrer la perte / Perpetual Demotion, installation robotique, nourrit les humains qui se présentent face à elle. Son bras robotisé s’abaisse pour prendre une cuillère. Une pâte comestible y est déposée. Le bras se déplie et se dirige alors vers la bouche du spectateur. Ce dernier peut décider d’accepter la bouchée et l’ingérer. La machine remet ensuite la cuillère à son esclave, un humain assis auprès d’elle, qui l’assiste et la débarrasse du couvert utilisé. 

L’installation requiert du spectateur qu’il s’engage physiquement et coordonne son corps au robot, et ainsi sollicite ses sens – visuel mais aussi proprioceptif, en plus du goût. L’expérience esthétique investit l’espace interne du corps du spectateur puisque celui-ci doit accepter de se faire nourrir, puis d’ingérer la pâte alimentaire. 

L’œuvre joue sur la confiance que le spectateur est prêt à accorder d’une part à l’artiste et d’autre part à la machine, dans un contexte complexe qui a le pouvoir de le convaincre. Elle met en scène la prise en charge, par un dispositif automatisé et robotisé, intrusif, d’une action de notre quotidien, « se nourrir ». Par extension, on pense au développement et à l’implication des systèmes d’intelligence artificielle ou des robots dans nos sociétés, qui gèrent de plus en plus nos vies, de la dimension intime à celle sociétale. L’œuvre remet en perspective le rapport de dominant et de dominé entre l’humain et la machine dans « un contexte de détermination technologique orchestrant la perte de contrôle généralisée (2) ».

Ces relations de pouvoir se retrouvent donc à de multiples niveaux et sont multidirectionnelles, tant dans le rapport de la technologie aux êtres humains que dans le rapport aux microbes. Une partie des ingrédients fermentés est mélangée et mise en interaction avec d’autres pasteurisés. « L’œuvre offre un point de vue saisissant sur les aspects systémique et performatif de l’alimentation (3)» et traite des enjeux biologiques, économiques et socio-culturels de l’alimentation. Sa présentation dans la capitale de la gastronomie française revêt une dimension supplémentaire. Elle lance le débat sur la place de l’alimentation comme référence au territoire et à des comportements spécifiques. L’œuvre confronte le spectateur à sa propre représentation culturelle de l’alimentation, que ce soit par référence à son expérience, sa mémoire ou son émotion. Puisque notre nourriture nous définit – ce que nous mangeons définit ce que nous sommes ou ne sommes pas (4) –, elle place le public dans une situation de rencontre de l’autre et d’autres réalités. 

Durant la performance AntiVolume IN/EXT, Lucas Paris élabore en temps réel une composition à la fois sonore et de lumière, en partie improvisée, qui tend à plonger le spectateur dans un état méditatif. Trois colonnes de diodes électroluminescentes sont placées sur scène et modulent l’espace selon leur variation lumineuse. L’artiste s’inspire directement des musiques électroniques telles que le noise, l’electronica et l’ambient. Il appréhende son projet comme une « sculpture volatile et énergétique (5)» qu’il fait évoluer en intensité entre des effets granulaires et des nappes englobantes. L’œuvre procure une expérience « physique et texturale (6)». Le spectateur est immergé et captivé par la performance dans une synesthésie sonore, visuelle mais aussi proprioceptive, c’est-à-dire dans une similitude et une traduction entre les afférences du son, de la lumière et de la sensation de son propre corps. L’ensemble de la performance transporte le public dans son environnement intangible alors que le son et la lumière pénètrent et circulent à travers tout le corps.

[Aurélie Besson]